Saturday, November 22, 2014

Peter Handke, Thomas Oberender: 50 Jahre Schreiben fürs Theater

 Dear Mr. Oberender 

This translator of all of Handke's early plays (up to & including WALK ABOUT THE VILLAGES & currently, with Scott Abbot of THE BEAUTIFL DAYS OF ARANJUEZ ) & first director of some of the Sprechstuecke & participant at most Handke premieres in this country, is ecstatic at the existence of your conversations with Peter Handke about his theater and I noted the book & my comments at:
I wish had time to translate sections of it for my American friends who have no German
(others may request my PDF)
perhaps I'll annotate the entirety at some point.
Once I had time to think about Handke's early plays it occurred to me that they are “happenings” of various kinds, and in that respect - though far more disciplined, synced with the “spirit of the times” - and might usefully be regarded as formalized happenings with musical structures. The clue to all these pieces I find to be QUODLIBET – right out of Hamlet - the audience is king in this “world theater”, and the people look/ cock their ears, into their own projection screen mirror (auditory in this instance): that is the work the audience performs, as Klaus Kastberger noted, too.
At a performance of my translation of BESCHIMPFUNG, directed by me, at the Goethe House, around 1969, a psychoanalyst commented that the audience had received an hour's worth of the best kind of group therapy! It appears that Handke knew that the play would have cathartic qualities!

Let me add a link to
A 30 Year-After
Near-Posthumous Note on
Peter Handke's Public Insult
by Michael Roloff
at the end of

AFTER the PETER STRASSER, YOU will find an excerpt from my long postscript to WALK ABOUT THE VILLAGES.

There have been great performanes of PUBLIKUM in this country, here the link to the plays on which I have commented however briefly or at length
and to photos of the performances




RIDE ACROSS LAKE CONSTANCE, to some extent is an elaboration of KASPAR into a group of KASPARS but is also the ultimate inversion persiflage of Blvd. theater, a dream play whose syntactical legerdemain – the incessant questioning – breaks down the customary standardized trained monkey responses &  thus creates catharsis that is as good as that of a good hour with the best analyst. A true release!
I had translated the piece but had not the faintest how it would play and what the audience response would be, and since I had a full time job – as Suhrkamp agent in the U.S. in 1971 - but was also having an affair that took us to snowy Woodstock on weekends and attended only a few rehearsal (where I recall an actress who had had an affair with JFK also wanting one with me but was far too much woman for me), and thus I was astounded how the play transported me. I don't recall the beautiful affair's response to the play, but I had taken Max & Marianne Frisch to the premiere & the play made Max noticeably angry. Perhaps his diaries will tell us why.
HOUR, which was done here at the University of Washington in 1996, Steve Pearson directing a fine performance with the professional actors in training, has a similar cathartic effect, which I think is achieved through the need on the one hand to focus attention on each discrete differing element, picture, as it appears and the constant switching of attention from one image to the next, i.e. a Mesmer technique, creates a breakdown.
THEY ARE DYING OUT in its linguistic playfulness is a continuance from LAKE CONSTANCE, otherwise it indeed falls out of Handke's drama aesthetic of theatrical self-awareness.
I don't quite buy Handke's claim to be a “Stuemper” (a rank amateur)- that's the feminine side of Handke being coy! What is “stuemperhaft” about the concept or execution of the truly great (also Brechtian!) VOYAGE BY DUGOUT except a few quotes from American journals that were worked in hurriedly at the end? VOYAGE strikes me as the summa of what Brecht-Kippardt-Weiss-Grass etc. have done in docu-drama + Handke's very own poetic Slavic Dugout semi-fairy tale twist!
You might want to take a look at the long postscript I wrote for the American edition (Ariadne Press) of WALK ABOUT THE VILLAGES & where I broach the theme of projection under very heightened circumstances, indeed Handke's there psalmodizing, the rhythm of that piece, exert waves for years upon years in his work; and can be detected even the 2007 Moravian Night.
Translatig Nova'
speech the end of
made me gasp for air it reached such Hoelderlin heights but I did not realize until Handke's confession to you that her speech was such a completely personal declaration of Handke's – tough to live up unless you become Christ I suppose & I can't say that I detect too many features along that line in our man, lots of vengeance & paranoia in some of the texts.

I was glad of your & Handke broaching
of which Scott Abbott & I just prepared as a playing version for the director Zejlko Dukic & Theater Y in Chicago. Very helpful. Just a “sketch” - I see!
So he really wanted to end the piece at the end of market day with fish heads & lots of offal on the street!
The two sides of our man's sexuality! Not just of his of course!
Also wonderful to find out how one piece develops out of other works, and not necessarily in chronological or predictable order or sense!


I was always wondering myself how Handke felt about Brecht subsequent to dismissing him early on, now we know, a shame that Handke did not direct any of the plays himself! And with his aversion to bodies isn't really fit for that kind of work.
I had no idea that performances of his plays had never satisfied him, or that none of the directors he worked with, except I guess Gotscheff, at STORM STILL, a bit,
were really satisfactory,
and here he goes back to PEYMANN with what very well might be his last piece

And he seems to have been extremely liberal with his directors Peymann & Luc Bondi
in allowing them to do their ideas, even, as is the case with ARANJUEZ, Bondi's approach of having the couple step out of Schiller's DON CARLOS,
is something that he has not at all in mind, not that I don't think, it really matters whether the director tries to concretize whence the twosome know each other. I myself hope that Dukic in Chicago leaves it a mystery so that the audience members can each fill it in for themselves. For me, my first association after the first sentence was: lovers fascinated by each other's sexual history, i.e. they are instantly jealous of what has preceded their affair. And then the man doesn't do anything of the kind, he talks in terms of Lawrentian displaced sexual imagery, but which is only sexualized for those who project... That makes the piece very hot & unpredictable & ambiguous.

There is a lot of talk between the two of you about the role of t he narrator, especially when the NARRATOR becomes part of the action on stage.
That of course is and seems perfectly normal in the instance of
where he presents the screenplay to the two directors

In the instance of

I felt that I really needed to see this play - which in other respects feels like a continuation of
to be able to appreciate whether t an introduction of a pointing narrator worked or was a hindrance.
I know that in the instance of
the as yet untranslated
it struck me as completely
inappropriate when this Nova-like creature stopped the play – which had gotten of with such a Fifth Symphony-like bang – in its tracks and the play never recovered for me, though I will re-read it in light of what the two of you say about it, and how important it appears to be to Handke.

The kind of spiritual change that is needed world-wide may occur to the last few humans left, but not before I am afraid. Thus I tend to be on the side of: play on! Appreciate that God wanted to make a joke or had a cold & sneezed or had diarrhea 15 billion years ago.

of course again functions in a perfectly normal “organic” fashion.

Since the first Handke book you bought was

als das wuenschen noch geholfen ht”
where I translated the three long progressivel stormier poems, you might be interested in:

So much for today, and thank you thank you thank you for taking the trouble. Not that a formalist such as myself did not wish for queries about formal intentions and qualities from our so artful author.
Michael Roloff, April 2015, Seattle


In vier Gesprächen zeichnen Peter Handke und Thomas Oberender Handkes imposante Werkgeschichte im Theater nach, ein »in Bezug auf formelle Schönheit und brillante Reflexion« unvergleichliches Lebenswerk, wie es in der Jurybegründung zur Verleihung des International Ibsen Award 2014 an Handke heißt. Oberender fragt als profunder Kenner der Bühne, als sensibler Leser, er ist Stichwortgeber für einen anregenden Dialog über Handkes literarische Prägungen, über Entwicklungen und Kontinuitäten dieses großen Epikers des zeitgenössischen Theaters. 


«Ich bin kein Stückeschreiber, kein Stückezimmerer, ich bin eigentlich ein Stümper», sagt Peter Handke. Und weil er dieses niederschmetternde Eingeständnis nicht so stehen lassen kann, fügt er mit der ihm eigenen Koketterie, die stets durchblitzt, wenn Handke über Handke räsoniert, hinzu: «Aber mit einem grossen Gefühl.»
Da ist also einer etwas nicht und ist es doch. Da hat einer über zwanzig Theaterstücke geschrieben, alle Formen und Gattungen angespielt und ausgelotet – vom Sprechstück übers Dramatische Gedicht, vom Königs- bis zum Stationendrama, vom Volks- bis zum Welttheater –, wurde uraufgeführt an den grossen deutschsprachigen Häusern, sagt, er «mag die Leute nicht, die ins Theater gehen» (weil das Zuschauen bei den meisten keine «Tätigkeit» mehr ist), rechnet nach und bemerkt, dass ihn das Theater eher «nährt» als das geliebtere Prosa-Schreiben, meckert gegen «Stampftheater» oder den «Scheissfaust von Goethe», stimmt das Hohelied auf die Schauspieler als «Wahrspieler» an (von denen es aber leider immer weniger gibt) – und kann sich doch erst knapp 50 Jahre nach dem ersten spektakulären Bühnenerfolg

Handke ist kein Mann der Begriffe, sondern einer der Sprache. Hier reden ein
Methodiker und ein Anti-Methodiker miteinander. Wie bei den Stücken sind es aber die
Nebenhandlungen, die Arabesken, das immer wieder Beiseite-Gesprochene, und nicht
unbedingt das Systematische, das diese vier Gespräche so lebendig und lebhaft
macht. Das Geheimnis des Schreibens seien die Nebensachen, so sagt Handke es
selbst. Ob er vom „Engel der Frechheit“ spricht, von der Verwerfung des sog.
„unmittelbaren Erzählens“, wie es heute wieder gang und gäbe sei, oder davon, dass
das Theater immer wieder neu erfunden werden müsse – hier lernt der Leser eine
Menge, und zwar über Poetik und Poetologie, weit über den individuellen Anlass
hinaus. Die einzelnen Titel und Plots, soweit überhaupt vorhanden, mag man bald
nach der Lektüre wieder vergessen haben. Doch Handkes Blick auf die Welt, seine
Auffassung vom Schreiben, vom Dichten – all das prägt sich nachhaltig ein. Und wenn
man auch auf die Liebeserklärung ans Theater 100 Seiten lang warten muss,
irgendwann, beinahe unverhofft, erfolgt sie doch.

Aber es ist komplizierter. Einerseits: Handke selbst schätzt seine Prosaarbeiten höher, er hält sich in Bezug aufs Dramatische für einen "Dilettanten"; er geht nicht gerne ins Theater und mag auch die Theatergeher nicht. Andererseits: Er verdankt dem Theater, wie er bekennt, inzwischen seinen Lebensunterhalt, und er sieht sich als Theaterautor durchaus in einer Liga mit Brecht oder Beckett, ohne die beiden deshalb besonders hoch zu schätzen.
Aktuelle Tendenzen des Gegenwartstheaters sind Handkes Sache nicht. Oberender, der Theaterkundige, versucht es gelegentlich mit Stichworten wie "Roland Schimmelpfennig" oder "Site Specific Theater", läuft damit aber bei Handke auf. Wie überhaupt der Theaterbetrieb, der heutige, aber auch schon der von gestern, nicht mit seiner Liebe rechnen darf.
Im Personenregister am Ende des Buches kann man noch einmal überprüfen, wer hier alles sein Fett wegkriegt. Und wer dann im nächsten Satz auch schon Handkes Gerechtigkeitssinn teilhaftig wird

Brecht, Pirandello, Wilder, allen voran natürlich Beckett – wird ausgiebig behandelt. Mit "Warten auf Godot" beispielsweise kann er nicht viel anfangen. Sehr aufschlußreich die Diskussion der beiden über die Pausen, die Beckett verordnet. Fast nebenbei wird auch das Kino berührt und Handke gesteht seine Affinität dem Western gegenüber (bei ihm fast gleichbedeutend mit John Ford): "…alles habe ich eigentlich aus dem Western". Leider geht Oberender überhaupt nicht auf Handkes cineastisches Opus ein und versäumt es damit, Parallelen oder auch formale Unterschiede zum Drama-Schaffen zu spezifizieren. Ein bisschen mehr Insistenz hätte man sich schon gewünscht, wenn der Kinogeher Handke sagt, er fühle sich aus dem Kino kommend immer "ein bisschen übers Ohr" oder "übers Auge gehauen". Immerhin äußert sich Handke hier wohl erstmalig öffentlich über seinen großen ästhetischen Dissens zu Michael Haneke, den er in Bezug auf "Das weiße Band" als "Naturalist" und "Ideologe…Mystifikator und…Denunziant" bezeichnet. Dabei differenziert Handke sehr schön Naturalismus von Realismus. Letzterer zeigt den Alltag nicht nur, er "verwandelt" ihn.


Handkes Texte stellen die Arbeit an der Sprache ohnehin immer aus, aber in den vorliegenden vier Gesprächen wird dies auch reflexiv begleitet. Dadurch werden die Gespräche zu einer Art Werkstattbesuch, bei dem Oberender – selbst einer, der sein Handwerk versteht (und dadurch nicht nur mitreden, sondern auch dagegenreden kann) – den Handwerker Handke durch die Werkstatt begleitet, ihm über die Schulter blickt und ab und zu eine Bemerkung einstreut, die Handke dazu bringt, sein mäanderndes Reflektieren explizit zu artikulieren. Dadurch werden diese Gespräche auch für diejenigen, die mit Handkes Theater weniger vertraut sind, zu einem aufschlussreichen Besuch in der Sprachwerkstatt (bei dem man allerdings bereit sein sollte, sich mit nötiger Langsamkeit zu bewegen). Und sie schaffen ein Bewusstsein für die versteckten Bedeutungsebenen der Sprache: Wenn Handke von »all den auffälligen Menschen heute« sagt, dass diese sich im Gegensatz zu einem (guten) Schauspieler »aufspielen« (S. 23), dann wird einem durch Handkes eigenen Kommentar – »Das ist ein gutes Wort« (S. 23) – der Konnotationsreichtum dieses Begriffs (und vieler anderer auch) deutlich. Man kann Handke beim Denken zuschauen: »Na ja, das ist ja ein Vorschlag, man kann sie auch Altötting nennen oder, ich weiß nicht, Bautzen oder, eher nicht.« (S. 50)



Nebeneingang oder Haupteingang? – Thomas Oberender spricht mit Peter Handke über 50 Jahre Schreiben fürs Theater

Tut mehr Unnützes!
von Wolfgang Behrens
20. November 2014. Einmal, gegen Ende des vierten und letzten Gesprächs, sagt es Peter Handke selbst: "Es drängt mich, unmittelbar zu sein (...)." Es ist diese Nähe zu einem Jargon der Eigentlichkeit, die einem in Handkes Werken zu schaffen machen kann. So faszinierend und soghaft das Umkreisen des Unmittelbaren und Eigentlichen auch sein mag – das Benennen der einfachen Dinge und das Herbeisehnen des authentischen Erlebens –, so politisch naiv geriert es sich zuweilen – wohin dies bei Handke geführt hat, ist eine Geschichte für sich (die in dem zu verhandelnden Band auf konsequente Weise nicht thematisiert wird – schade eigentlich!).
cover handke-oberender 140Ganz so simpel geht es dann aber doch nicht zu mit Handkes Drang zur Eigentlichkeit. Dass die Sprache die ersehnte Unmittelbarkeit gerade nicht einzufangen vermag, weiß Handke natürlich, und deshalb heißt es im eben nur unvollständig wiedergegebenen Zitat weiter: "Es drängt mich unmittelbar zu sein, und indem ich anfange, das zu realisieren, sehe ich, daß ich Umwege machen muß, also noch und noch Umwege. Über Künstlichkeit, über Machen, über Tradition, über Formen, die schon da sind, und so weiter. Und zwischendurch, oder am Ende, manchmal sogar zwischendurch, gibt es diese unmittelbaren Momente, aber erst dank der Künstlichkeit." Es scheint wie beim Wettrennen von Achilles und der Schildkröte zu sein: Die Sprache (Achilles) versucht das Unmittelbare (die Schildkröte) einzufangen, doch immer wenn sie dort ankommt, wo das Unmittelbare eben noch war, ist diese schon wieder ein Stück weiter.
Die Sprache ins Spielen bringen
In dem Gesprächsbuch "Nebeneingang oder Haupteingang?", den Thomas Oberender, Intendant der Berliner Festspiele und vormals Schauspieldirektor der Salzburger Festspiele, gemeinsam mit Peter Handke erarbeitet hat, zeitigt der Drang zur Unmittelbarkeit jedenfalls recht eigentümliche Folgen. Die Interviews, die Oberender vorzugsweise in Gärten sitzend mit Handke geführt hat – was dem "eigentlichen" Sprechen bestimmt zuträglich ist! –, diese Interviews also treten uns nämlich in einer mutmaßlich nur wenig nachbearbeiteten Schriftform entgegen. Oberender schreibt im Vorwort, dass er "das Tasten und Befühlen der Worte und Sätze, Peter Handkes Verstummen und seine Neuansätze, die Abirrungen und Variationen der Aussagen zu erhalten" versucht habe. Diese Entscheidung birgt freilich auch einige (unfreiwillige?) Komik, wenn durch den Text beispielsweise in den unpassendsten Augenblicken plötzlich Einwürfe wie "Da badet ein Vogel!" oder "... ein Eichhörnchen, da hinten! ..." wehen.
Diese merkwürdige Form des tastenden An- und Hin-Denkens und jähen Wieder-Wegspringens vermittelt aber doch ein überraschend präzises Gefühl für den Kosmos, in dem sich das dramatische Schaffen Handkes bewegt – beginnend mit der "Publikumsbeschimpfung" von 1966 und vorerst haltmachend bei den letzten Stücken Immer noch Sturm und Die schönen Tage von Aranjuez. Die Art und Weise, wie seine Stücke (meist handlungslose) Bühnenvorgänge behaupten, wie sie die Sprache ins Spiel, oder besser: ins Spielen bringen, wie sie das Vage aufsuchen, um Momente der Durchlässigkeit (auch so ein Jargon-der-Eigentlichkeit-Wort!) zu schaffen, und wie sie sich aufeinander beziehen bzw. auseinander hervorgegangen sind – das alles fördern Oberender und Handke in mal scharfsinnigen, mal regelrecht somnambulen Schleifen zutage.
"Ich mag die Leute nicht, die ins Theater gehen"
Man liest den Band durchaus mit Gewinn, zumal die Gespräche immer wieder auch grundsätzliche poetologische Fragen aufwerfen, die an die Möglichkeit des Schreibens für Theater überhaupt rühren. Und was die Politik betrifft, die ja sonst ausgespart bleibt, stößt man sogar auf ein Bekenntnis, das vermutlich koketter klingt, als es gemeint ist: "Das wäre ein politisches Programm von heute, ein weltpolitisches: Daß viel mehr unnütze Tätigkeiten gemacht werden. All diese nützlichen Tätigkeiten machen die Welt kaputt. Das glaube ich, das ist mein Credo."
Am schönsten aber wird es, wenn in all dem Schwadronieren Handke plötzlich ganz konkret wird oder gar ins Lästern kommt. Dann hört man etwa von Kritikern, die "vortäuschen, daß sie etwas gelesen haben", oder man erfährt, dass Handke auch noch fast ein halbes Jahrhundert nach der "Publikumsbeschimpfung" den Theaterzuschauern misstraut ("Ich mag die Leute nicht, die ins Theater gehen. [...] Wenn ich die schon sehe, wie die auf den Straßen zum Theater gehen – das gefällt mir nicht!"). Am allertollsten freilich ist eine Erkenntnis über Claus Peymann, zu der man im vollsten Einverständnis zu nicken geneigt ist: "Er könnte halbwegs auch ein Fußballtrainer sein, nicht gerade für die Stars von Real Madrid oder FC Barcelona, aber doch für Arminia Bielefeld, vielleicht." Nur kurz nachgefragt: In welcher Liga spielt Arminia Bielefeld noch gleich?

Peter Handke, Thomas Oberender:
Nebeneingang oder Haupteingang? Gespräche über 50 Jahre Schreiben fürs Theater
Suhrkamp Verlag, Berlin 2014, 199 Seiten, 20 Euro

Sunday, October 26, 2014


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Par une belle nuit, pas si obscure, vous sortez du Théâtre de l'Odéon, et une question vous tarabuste : pourquoi ces Beaux Jours d'Aranjuez,avec lesquels Luc Bondy inaugure son mandat de directeur, n'ont-ils pas suscité l'émotion escomptée, dans une salle qui pourtant, en ce soir de première du 12 septembre, était en grande partie acquise d'avance ?

Tous les ingrédients étaient là : un texte magnifique de Peter Handke, dont Les Beaux Jours marquent le retour en majesté au théâtre, après la polémique de 2006 qui avait fait suite à la déprogrammation d'une de ses pièces à la Comédie-Française, en raison des positions contestables de l'écrivain sur la guerre en ex-Yougoslavie. Deux grands acteurs - une grande actrice, surtout, Dörte Lyssewski, accompagnée de Jens Harzer. Et le talent habituel de Luc Bondy.
La réponse est bête à pleurer : le surtitrage bâclé a en grande partie gâché la soirée. Luc Bondy a choisi d'ouvrir sa première saison avec ce spectacle créé au Festival de Vienne. Le texte de Peter Handke, qui a été écrit en français, est donc joué en allemand. Et surtitré, dans des conditions assez peu dignes d'une grande maison comme l'Odéon : l'écran de surtitrage, placé beaucoup trop haut, oblige les spectateurs non-germanistes à une gymnastique incessante, peu propre à favoriserl'écoute attentive de cette partition subtile.
Mais surtout, le texte proposé en français à la lecture n'est pas celui de Handke : réduit, dénaturé (retraduit de l'allemand ?) et accessoirement bourré de fautes d'orthographe, il arrive de surcroît souvent en décalé.
Tout cela dit, revenons à l'essentiel, la partition, donc, d'une rare beauté composée par l'auteur de L'Heure de la sensation vraie. Une partition, oui, plus qu'une pièce de théâtre. Un homme, une femme, un jour d'été. "Une femme et un homme sous des arbres invisibles, seulement audibles, avec un vent d'été doux qui, d'un temps à l'autre, rythme la scène", écrit Peter Handke avant que leur dialogue ne commence. "C'est comme si s'écoulait, avec chaque bruissement des arbres, une heure, ou un jour entier."
Ils sont là, dans ce temps suspendu, sans que l'on sache vraiment quel lien les unit, et dans un jeu étrange, qui a ses règles, avec leurs transgressions. L'homme demande : "la première fois, toi avec un homme, c'était comment" ? Ils sont là, dans la profusion du monde, sa vibration, qu'ils sont encore capables de percevoir : un faucon s'envole entre les arbres, des libellules "sans lac, sans eau visible", fontentendre le crissement de leurs ailes.
Tout Peter Handke est là, le temps et l'absence, la lumière et l'ombre, et la question de comment être au monde, lui appartenir, dans ce monde-ci où le vacarme a recouvert le bruissement des êtres et des choses. Quelles sont les possibilités de l'amour, de la beauté, dans un tel univers, où la guerre des sexes a été déclarée ? Les Beaux Jours d'Aranjuez - le titre de la pièce renvoie explicitement au premier vers du Don Carlos de Schiller : "les beaux jours d'Aranjuez sont passés..." - jouent sur ce sentiment du paradis perdu - éternellement perdu. Dans le texte de Peter Handke, une pomme circule entre l'homme et la femme.
Cette pomme ne figure pas dans la mise en scène de Luc Bondy - il n'en reste que la trace, le fantôme, dans la main des deux acteurs. Cette mise en scène prend un parti très net. Pas d'arbres, pas de nature bruissante, sur le plateau de l'Odéon. Comme dans un tableau d'Edward Hopper, la scène a lieu derrière le rideau de théâtre, et la nature n'est plus qu'un tableau, une représentation.
Dörte Lyssewski et Jens Harzer sont deux fauves de théâtre, qui se blessent, se dévorent, s'aimantent et essaient de se donner de la douceur, comme ils pourraient le faire dans une pièce de Tennessee Williams - lequel Tennessee court lui aussi comme un drôle de fantôme tout au long de la pièce.
Dörte Lyssewski, fantastique, atmosphérique - il faudrait un article entier uniquement pour décrire tout ce qui passe sur le visage et le corps de cette actrice - marche comme les danseuses dans les spectacles de Pina Bausch, et cela n'a évidemment rien d'un hasard. Paradis perdu, beauté du monde recréée - ou lue ? - par l'art.
La fin est très belle, qui voit le rideau rouge du théâtre - dans le théâtre, au milieu de la scène, jusqu'ici fermé - s'ouvrir lentement, très lentement, dévoilant un ciel nocturne piqué d'étoiles. La représentation, le théâtre, ouvre sur la nuit et sur le monde, comme l'écriture de Peter Handke ouvre le regard.
Quel dommage que ces Beaux Jours d'Aranjuez n'aient pu tenir cette note à la fois profonde et aérienne tout au long de la représentation. A la fin, à la toute fin seulement, on saura que l'homme s'appelle Fernando, et la femme, Soledad.

Die schönen Tage von Aranjuez (Les Beaux Jours d'Aranjuez), de Peter Handke (le texte est publié aux éditions Le bruit du temps). Mise en scène : Luc Bondy. Avec Dörte Lyssewski et Jens Harzer. Théâtre de l'Odéon, place de l'Odéon, Paris 6e. Tél. : 01-44-85-40-40. Les 13, 14 et 15 septembre à 20 heures. De 6 € à 34 €. En allemand surtitré. Durée : 1 h 45.
Sur le Web :

REVUE DE PRESSE - La piècede Peter Handke, mise en scène par Stanislas Nordey en ouverture de la 67ème édition du Festival d'Avignon, est très controversée, entre ode à la poésie et ennui.

Sao Rafael - FaroJusqu’à -75% avec Mytravelchic
J’en profite
Alors que certains critiques font l'éloge d'un texte poétique, placé au centre par la mise en scène deStanislas Nordey, d'autres fustigent l' intellectualisme ennuyeux, dénoncent l'immobilisme des corps sur la scène et ne comprennent pas le choix d'un décor épuré dans une arène aux possibiilités sonores et visuelles gigantesques. La durée de Par les villages dePeter Handke, quatre heures, ponctuées d'un entracte de vingt minutes, ne fait qu'accentuer les divergences d'opinion.
Centré sur la condition tragique d'ouvriers aliénés, la pièce s'est ouverte in medias res le 7 juillet par un prologue improvisé par le Syndeac (syndicat des entreprises artistiques et culturelles). Comme chaque année, ces derniers ont exprimé leurs inquiétudes pour les métiers du spectacles qui doivent faire face à une rigueur budgétaire de plus en plus sévère. Ces paroles ont alors entraîné d'autres discours contestataires dans le public, dénonçant le libéralisme à tout-va, la mort de la télévision publique grecque, etc... Aurélie Filippetti, présente dans l'assemblée, est restée de marbre.
Les discussions se poursuivent dans les journaux et sur la toile, cette fois sur la mise en scène de Stanislas Nordey, ouvrant un débat plus général sur le théâtreen Avignon. Les partisans du théâtre-texte face aux théâtre-spectacle s'y affrontent. La Croix et Les Échos ne font que des éloges sur la mise en scène. Le quotidien catholiqueconsidère que la pièce se marie admirablement au lieu: «À l'immensité du verbe répond celle de la cour(....) Qui a dit que le Festival d'Avignon n'était plus celui du verbe et de la poésie?» La vidéo et le tweet de Philippe Chevilley, rédacteur en chef culture aux Échos titrés «Un grand poème dans la Cour d'honneur» abondent dans ce même sens.
Annie Mercie, plébiscitée pour sa gouaille
Les autres journaux n'entendent cependant pas le texte de la même oreille... Marianne,Le Parisien et La Provence, s'accordent pour fustiger la longueur de la pièce. Le Parisienécrit: «La magie opère parfois, mais en quelque 4 heures de représentation, elle cède souvent le pas à l'ennui. Le texte, traversé de fulgurances, n'est pas toujours facile à suivre, avec ses longues envolées.» et La Provence titre: Festival d'Avignon, radical «Par les villages».
Contrairement à sa mise en scène, beaucoup critiquée, le jeu de Stanislas Nordey fait en revanche l'unanimité. «Nordey l'ouvrier y est lui-même magistral de vérité, (son interprétation) douce et violente à la fois, au comble de son génie d'acteur, enfiévrée d'une lumière secrète.» Libération de son côté est catégorique: «Du côté des femmes, c'est moins bien.»
Toutefois, des différences se font sentir entre les comédiennes. Armelle Héliot pour Le Figaro considère qu'Emmanuelle Béart rayonne dans le rôle de Sophie alors que Jeanne Balibar dans le rôle de Nova est peu convaincante. Selon Le Parisien l'enchanteresse n'est ni l'une ni l'autre: «On attendait beaucoup d'Emmanuelle Béart et de Jeanne Balibar, mais dans cette fable ouvrière, c'est finalement Annie Mercier qui enchante, dans le rôle de la gardienne du chantier, avec sa gouaille et son épaisseur de femme qui a beaucoup vécu.»

Stanislas Nordey met en scène « Par les villages », de Peter Handke, à la Cour d'honneur du Palais des papes, à Avignon.

HipanemaDonnez du peps à vos tenues
Je craque
Huit baraques de chantier bleues surmontées de néon donnent un air incongru à la Cour d'honneur du Palais des papes. Dans le cadre du Festival d'Avignon,Stanislas Nordey a choisi de monter Par les villages, de l'auteur et cinéaste autrichien Peter Handke. Ce «poème dramatique» avait été créé en France en 1984 par Claude Régy. Composé de monologues, il fait la part belle au verbe et à une poésie, parfois absconse. Gregor (Laurent Sauvage) devenu écrivain revient dans son village natal pour régler une affaire d'héritage avec son frère, ouvrier dans le bâtiment (Stanislas Nordey) et sa sœur (Emmanuelle Béart), vendeuse, «sans déplaisir, mais sans haine, ni passion». Ce récit autobiographique est du pain bénit pour Stanislas Nordey, il lui permet de célébrer la langue avec une troupe qu'il connaît bien. Outre son compagnon de route, Laurent Sauvage, saluons Annie Mercier, énergique intendante de chantier, et Véronique Nordey, sa mère. Le travail de Stanislas Nordey repose sur la transmission de la parole et le jeu, quasi parfait, des acteurs au détriment de la mise en scène. Avec lui, les comédiens ont l'opportunité de montrer l'étendue de leur savoir-faire.

Métaphorique et philosophique

Face au spectateur, à tour de rôle, droits comme des «i», figés dans des attitudes hiératiques, ils disent, racontent, exhortent, haranguent, reprochent, crient, supplient, menacent, s'attristent, prédisent. Distinctement. À l'instar d'un coryphée, tandis que les autres écoutent et regardent. Saisis comme des chiens d'arrêt. Le public, lui, n'aura pas cette capacité marmoréenne de concentration. Entre le soleil se couchant - le spectacle commence à 21 heures - et la nuit noire, il se perd un peu dans des circonvolutions métaphoriques et philosophiques.
Peter Handke part de son vécu pour évoquer la condition sociale, humaine, s'interroger sur la réalité et les rêves, mais l'heure avançant, il est de plus en plus difficile de le suivre à la lettre. Des mélodies et même des sons de cloche joués en direct sur une guitare électrique ne parviennent pas à maintenir l'attention jusqu'au bout. Le monologue de Jeanne Balibar, curieuse pythie à talons et mains dans les poches d'un jean, nouvelle recrue du metteur en scène, achève de décourager le spectateur le plus motivé. Le flot continu de paroles qui l'a d'abord happé et fasciné l'emporte dans une vague d'où émerge une profonde lassitude.
• Cour d'honneur du Palais des papes, Avignon (84). Le 8, 10, 11, 12 et 13 juillet. Pièce éditée chez Gallimard. Location au 04 90 14 14 14. Du 5 au 30 novembre au Théâtre de la Colline, Paris (XXe) et en tournée.


[the drama lecture]

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