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"The first casualty of war is language," Peter once said.
If I were to state the theme of this new play, I would add that the first casualty of war, as also the first casualty of peace, is language.
Michael has laid out the plot in an admirably straightforward way. The plot / Handlung / what happens is exactly as he writes, from act 1 through act 5 (they read like chapters rather than acts in the book of the play).
My response is to point to another structure or set of structures at the heart (or spleen) of the play.
Language is the topic that dominates the play. From the first musings of the character named "ich" (and the quotation marks point out that even he is a creation of language) to the last line of the play, language is the question:
"Eine Heide, eine Steppe, eine Heidesteppe, oder wo." / A heath, a steppe, a heathensteppe, or where. (. . . a heathsteppe . . . A moor, a steppe, a moorsteppe. . .)
The first sentence, then, is a question without a question mark. It includes a probing neologism. In short, it draws attention to itself as language.
The final scene of the play has the Slovene speaking characters separated and then pushed to the back of the stage by other figures. They remain "erkenntlich höchstens an den Handzeichen, mit denen wir einander noch zuwinken" / recognizable only by the handgestures with which we still signal to one another.
The main character, on this line of thinking, is the Slovene language spoken by a Slovene minority in southern Austria.
It could be any language spoken by any minority (Athabaskan, for instance, in Alaska, as the penultimate scene of the play points out).
But it is Austria, a Carinthian village, and so the language is Slovene.
The enemy in this play about Austro-Slovene partisans is the dominant German-speaking culture that oppresses the Slovene language. What will be won, ostensibly, when the war is over, is the right to speak Slovene.
It's a battle, of course, that was fought before the Germans ever came to town; and it's a battle that must be fought after they are sent packing.
Thus the title: Still Storm / Immer noch Sturm. It's a Shakespearean stage direction (Still Storm) that in the German, especially with the middle "noch" not capitalized, reads as "always . . . storm."
The first casualty of war, as of peace, is language.
Much more to come. I'll end this first post with a section of a book by my friend Alex Caldiero. The book is called "Sonosuono" and is a meditation on the Sicilian language and culture that gave birth to Alex and nurtured him until he was reborn, for better and worse, at the age of 9 in his new land of Brooklyn:
SONOSOPHY
My contribution to the conference is a sonosophy performance,
followed by a Q & A session. My friend and colleague, M, introduces me.
The performance is in four languages: Sicilian, Italian,
American English, and a fourth language (if you can call it a language) that
weaves in and out and between the other three. This fourth language has no
formal name, and is variously designated depending on the time and locality. In
the Medieval period, throughout Europe and the Middle East it was called “the
language of the birds.” I call it Sonosophy.
Whenever this language of the birds is practiced, it adapts
and interplays with the culture and language of the nation wherein it is
practiced. For instance, it can interact with the national tongue, or with the
language of painting, dance, or even science, or any combination of these. In
this way sonosophy surges forth as a guiding impulse springing from the depths in
which sound and meaning are indistinguishable. In Hindu linguistics, it is
designated by the Sanskrit term, sphota:
the ground sound. From the sphota sprouts
the perennial wisdom of manifesting sound mind: sonosophy.
It’s the most natural thing that for this conference I
should speak in the language of the birds. The center piece of my sonosophical performance
is a language act:
I begin by taking items out of a green pouch and putting
each one into my mouth…I hardly get to say a few words (“it is always…sad…),
the accumulation of objects obstructs and renders the rest of what I say
unintelligible. One after another, I carefully place the objects in my mouth: a
pen, a feather, an eraser, a wrist watch, a twig, a piece of cloth, folded
paper, a stone. I can hardly breathe, all the while continuing to utter words
that are but noises and sounds as I nearly gag putting in the last of the
objects. All these objects protrude from my mouth. Then, one by one, just as they
were put in they are taken out. Gradually
my words become recognizable, until, with the last of the objects removed, I
clearly utter:
“It is
always
sad
when
the last
living speaker
of a language
dies.”
…and after a short pause, I add:
“In memory of Chief Thunder
Cloud, last living speaker of the Ottawa language who die in xxxxxx”
This piece on the last living speaker of the Ottawa language
hits home with the situation and fate of the Sicilian language.
I proceed with the rest of the sonosophy performance and end
with a poem in the Sicilian language, in Sicilian:
‘A LINGUA SICILIANA
Nun parrati
U sicilianu.
Parrati l’inglisi
u cinisi, o puru
l’italianu,
ma nun parrati
u sicilianu.
Nun è mancu
lingua
u sicilianu,
parrata di bricanti.
Scurdativilli
li palori,
scurdativilli.
I signuri
ca sunnu educati
nun la pàrranu;
I parrini
quannu fannu pridicati
nun la pàrranu;
I scritturi e sculari
nun s’azzardanu a parrari
sti palori
ca stèsiru vulgari.
Nun parrati
u sicilianu.
U silenziu
macari avi ‘a vuci:
vuci di terra muta
comu quannu
nun è siminata.
Ma quannu
muta staçiuni
sta terra spicca
cu çiuri e virdura;
E tannu dda vuci
arripigghia
l’antica parrata.
THE SICILIAN LANGUAGE
Don’t speak
Sicilian.
Speak English,
Chinese, or else
Italian,
but don’t speak
Sicilian.
It’s not even
a language
Sicilian,
the speech of gangsters.
Forget
the words,
forget them.
Educated
gentlemen
don’t speak it;
Priests
in their pulpits
don’t speak it;
Writers and scholars
don’t dare to speak
these words
that remained vulgar.
Don’t speak
Sicilian.
Silence
also has a voice,
voice of a mute land
as when
nothing is planted.
But when
the season changes
this land leaps forth
with flowers and greenery;
And then that voice
will take up again
the ancient speech.
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En allant voir « Toujours la tempête », pièce de Peter Handke, mise en scène par Alain Françon, qui passait à la MC2 de Grenoble (après avoir été représentée à l’Odéon et dans diverses villes de France), je me doutais bien que je n’allais pas être déçu. C’était renouer avec ce grand et beau spectacle vu à Avignon il y a deux ans : « Par les villages », mis en scène par Stanislas Nordey, et donc revivre ces moments de joie où des textes d’une grande force nous font frémir, nous font littéralement sortir de nous-mêmes, surtout lorsqu’ils sont dits par de grands comédiens (à l’époque il s’agissait d’Emmanuelle Béart, de Jeanne Balibar, de Stanislas Nordey lui-même, ainsi que d’Annie Mercier). « Toujours la tempête » est bien sur le même registre, avec, cette fois, les « grands » que sontDominique Reymond, Laurent Stocker (de la Comédie Française), Dominique Valadié, Wladimir Yordanoff, Gilles Privat. Mention spéciale pour les deux premiers cités, Laurent Stocker parce qu’il incarne un « moi » omniprésent tout au long de la représentation, Dominique Reymond parce qu’elle campe une mère incroyablement présente (même quand elle n’est pas là !), parlant et se mouvant sur scène avec une grâce magnifique. Mais Dominique Valadié est aussi parfaite en sœur (de la mère) rebelle, Yordanoff comme patriarche qui entend faire régner l’ordre à la maison et Privat comme oncle borgne qui, après son enrôlement dans les partisans et ses déceptions d’après guerre, essaie de tirer la morale de cette histoire. Car cette pièce raconte ni plus ni moins que l’enfance de l’auteur (ou du moins de quelqu’un de très proche de l’auteur), né en Carinthie en 1942 (ça, on l’a toujours su) au sein de la minorité slovène. S’il est né en 42, en pleine guerre, c’est parce que sa mère, raconte-t-il (ou bien la mère du personnage qui lui est infiniment proche) avait succombé à un bel officier allemand et que cet amour devait culminer dans la nuit fatale où le petit Peter fut engendré (« à la fin du printemps. Entre la floraison du lilas et celle du sureau. Entre minuit et quatre heures du matin« ), nuit inoubliable pour cette femme qui disparaît de la pièce dans la seconde moitié (hélas pour nous), afin de partir à la recherche de l’amant allemand dans les ruines du Reich vaincu. Le petit Peter, quand il naît, c’est peu dire qu’il est mal accueilli par la famille : on voit l’oncle (incarné par Gilles Privat) secouer rudement le landau en ne mâchant pas ses mots à propos de ce petit bâtard, qui, pourtant, si l’on en croit « moi », présent sur scène comme témoin de l’histoire, ne lui en voudra jamais… Cette pièce est un chant d’amour vibrant adressé à toute une famille, ceux qui ont survécu à la guerre et ceux qui sont morts (deux oncles, une tante). L’idée géniale d’avoir tenu à faire incarner le narrateur (« moi ») par un comédien sur scène fait de cette histoire mieux qu’un récit historique, c’est la reconstitution, non linéaire, d’une mémoire d’où sort chaque personnage.
Mais cette pièce raconte aussi la résistance de cette population slovène contre les nazis, seule résistance organisée conduite de l’intérieur du Reich allemand (puisque l’Autriche, comme on sait, avait été annexée…). C’est là où la mise en scène est très belle, tout en restant discrète et légère : il suffit d’un sol irrégulier censé représenter une terre aride, l’évocation de quelques arbres, l’entrée et la sortie sur le plateau de deux membres de la famille (la tante et l’oncle) en habit de treillis pour mettre en place une atmosphère de maquis et d’ombre. La tante (Dominique Valadié) qui, au début, est Ursula, toujours triste et grincheuse, devient Snezena, « la neigeuse » en slovène, combattante qui perdra la vie, prononçant les plus belles paroles de la pièce. Quant à l’oncle Valentin, qui joue les gandins, parle anglais et part au front avec belle ardeur, il n’en reviendra pas, comme n’en reviendra pas non plus le plus jeune, Benjamin, enrôlé par l’armée allemande alors qu’il ne pouvait appuyer sur la gâchette de son doigt paralysé.
C’est à Gregor (l’oncle) que Handke laisse le récit de la fin de cette histoire : les résistants slovènes ont gagné puisque le Reich s’est effondré, mais qu’ont-ils gagné au juste ? Dix jours de fête pour célébrer la fin du conflit et la liberté retrouvée, puis de nouveau l’adversité : les résistants ne furent pas en odeur de sainteté… le qualificatif de « bandit » que l’occupant leur accolait fit honteusement retour, à l’occupant allemand devait succéder l’occupant anglais et la langue slovène ne fut pas davantage reconnue que par le passé. L’amertume politique de Handke – son démon ? – refait surface dans un long plaidoyer pour son pays. Vieille histoire dont il ne s’est visiblement pas remis. L’ermite de Clamart n’en aura donc jamais fini de ressasser la déchéance de son peuple et de sa langue. Mais n’est-ce pas plutôt sa mère qu’il pleure ainsi ?
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Souvenirs de jeunesse de Peter Handke
En allant voir « Toujours la tempête », pièce de Peter Handke, mise en scène par Alain Françon, qui passait à la MC2 de Grenoble (après avoir été représentée à l’Odéon et dans diverses villes de France), je me doutais bien que je n’allais pas être déçu. C’était renouer avec ce grand et beau spectacle vu à Avignon il y a deux ans : « Par les villages », mis en scène par Stanislas Nordey, et donc revivre ces moments de joie où des textes d’une grande force nous font frémir, nous font littéralement sortir de nous-mêmes, surtout lorsqu’ils sont dits par de grands comédiens (à l’époque il s’agissait d’Emmanuelle Béart, de Jeanne Balibar, de Stanislas Nordey lui-même, ainsi que d’Annie Mercier). « Toujours la tempête » est bien sur le même registre, avec, cette fois, les « grands » que sontDominique Reymond, Laurent Stocker (de la Comédie Française), Dominique Valadié, Wladimir Yordanoff, Gilles Privat. Mention spéciale pour les deux premiers cités, Laurent Stocker parce qu’il incarne un « moi » omniprésent tout au long de la représentation, Dominique Reymond parce qu’elle campe une mère incroyablement présente (même quand elle n’est pas là !), parlant et se mouvant sur scène avec une grâce magnifique. Mais Dominique Valadié est aussi parfaite en sœur (de la mère) rebelle, Yordanoff comme patriarche qui entend faire régner l’ordre à la maison et Privat comme oncle borgne qui, après son enrôlement dans les partisans et ses déceptions d’après guerre, essaie de tirer la morale de cette histoire. Car cette pièce raconte ni plus ni moins que l’enfance de l’auteur (ou du moins de quelqu’un de très proche de l’auteur), né en Carinthie en 1942 (ça, on l’a toujours su) au sein de la minorité slovène. S’il est né en 42, en pleine guerre, c’est parce que sa mère, raconte-t-il (ou bien la mère du personnage qui lui est infiniment proche) avait succombé à un bel officier allemand et que cet amour devait culminer dans la nuit fatale où le petit Peter fut engendré (« à la fin du printemps. Entre la floraison du lilas et celle du sureau. Entre minuit et quatre heures du matin« ), nuit inoubliable pour cette femme qui disparaît de la pièce dans la seconde moitié (hélas pour nous), afin de partir à la recherche de l’amant allemand dans les ruines du Reich vaincu. Le petit Peter, quand il naît, c’est peu dire qu’il est mal accueilli par la famille : on voit l’oncle (incarné par Gilles Privat) secouer rudement le landau en ne mâchant pas ses mots à propos de ce petit bâtard, qui, pourtant, si l’on en croit « moi », présent sur scène comme témoin de l’histoire, ne lui en voudra jamais… Cette pièce est un chant d’amour vibrant adressé à toute une famille, ceux qui ont survécu à la guerre et ceux qui sont morts (deux oncles, une tante). L’idée géniale d’avoir tenu à faire incarner le narrateur (« moi ») par un comédien sur scène fait de cette histoire mieux qu’un récit historique, c’est la reconstitution, non linéaire, d’une mémoire d’où sort chaque personnage.
Mais cette pièce raconte aussi la résistance de cette population slovène contre les nazis, seule résistance organisée conduite de l’intérieur du Reich allemand (puisque l’Autriche, comme on sait, avait été annexée…). C’est là où la mise en scène est très belle, tout en restant discrète et légère : il suffit d’un sol irrégulier censé représenter une terre aride, l’évocation de quelques arbres, l’entrée et la sortie sur le plateau de deux membres de la famille (la tante et l’oncle) en habit de treillis pour mettre en place une atmosphère de maquis et d’ombre. La tante (Dominique Valadié) qui, au début, est Ursula, toujours triste et grincheuse, devient Snezena, « la neigeuse » en slovène, combattante qui perdra la vie, prononçant les plus belles paroles de la pièce. Quant à l’oncle Valentin, qui joue les gandins, parle anglais et part au front avec belle ardeur, il n’en reviendra pas, comme n’en reviendra pas non plus le plus jeune, Benjamin, enrôlé par l’armée allemande alors qu’il ne pouvait appuyer sur la gâchette de son doigt paralysé.
C’est à Gregor (l’oncle) que Handke laisse le récit de la fin de cette histoire : les résistants slovènes ont gagné puisque le Reich s’est effondré, mais qu’ont-ils gagné au juste ? Dix jours de fête pour célébrer la fin du conflit et la liberté retrouvée, puis de nouveau l’adversité : les résistants ne furent pas en odeur de sainteté… le qualificatif de « bandit » que l’occupant leur accolait fit honteusement retour, à l’occupant allemand devait succéder l’occupant anglais et la langue slovène ne fut pas davantage reconnue que par le passé. L’amertume politique de Handke – son démon ? – refait surface dans un long plaidoyer pour son pays. Vieille histoire dont il ne s’est visiblement pas remis. L’ermite de Clamart n’en aura donc jamais fini de ressasser la déchéance de son peuple et de sa langue. Mais n’est-ce pas plutôt sa mère qu’il pleure ainsi ?
(cette belle photo de l’écrivain vient du site de Die Presse)
https://rumeurdespace.wordpress.com/2015/09/29/souvenirs-de-jeunesse-de-peter-handke/
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